Elizabeth Hargrave: la designer che ha portato la natura (e i dati) sul tavolo da gioco

Nella primavera del 2019 un gioco di carte sugli uccelli ha fatto qualcosa che pochi titoli hobbistici riescono a fare: è sparito dagli scaffali nel giro di poche settimane, costringendo l’editore a scusarsi pubblicamente con i fan rimasti a mani vuote. Quel gioco si chiamava Wingspan, e a firmarlo era una designer al suo debutto: Elizabeth Hargrave. Da allora la sua carriera è diventata uno dei racconti più interessanti del settore, non solo per i numeri di vendita, ma per il modo in cui ha ridefinito quali temi un gioco “da intenditori” possa affrontare, e chi può progettarli.

Da analista di politiche sanitarie a designer per caso

Prima di essere una designer, Hargrave era un’altra cosa: un’analista. Laureata in politiche pubbliche a Brown e con un master in affari pubblici conseguito alla LBJ School of Public Affairs dell’Università del Texas ad Austin, ha lavorato a Washington D.C., prima al Dipartimento della Salute, poi per il senatore Tom Daschle, per approdare infine al NORC, il centro di ricerca dell’Università di Chicago, dove si è occupata a lungo di politiche sui farmaci da prescrizione e di ricerche legate alla Medicare Payment Advisory Commission. È un dettaglio che torna spesso nei suoi racconti biografici, perché quel mestiere le ha lasciato in eredità un metodo: fogli di calcolo, raccolta dati, iterazione continua, lo stesso approccio che userà poi per progettare i suoi giochi.

Il suo ingresso nel mondo ludico è nato quasi per caso. Nel 2005, durante un ritiro invernale con il gruppo di giovani adulti della sua congregazione unitariana a Washington D.C., si è ritrovata bloccata al chiuso da un clima rigido a cui, da nativa della Florida, non era affatto abituata. Per ammazzare il tempo ha iniziato a giocare a giochi da tavolo con il gruppo, scoprendo un hobby che nel giro di un decennio si sarebbe trasformato in professione.

Oggi vive a Silver Spring, nel Maryland, con il marito Matt Cohen, paesaggista di formazione. È una birdwatcher appassionata, un’escursionista abituale ed è attiva nella Mycological Society di Washington D.C., il club locale degli appassionati di funghi, passioni che, come vedremo, non sono affatto estranee al suo lavoro di designer.

Wingspan: quando gli uccelli hanno conquistato il tavolo

L’idea che avrebbe cambiato tutto è nata dalla frustrazione verso un’offerta ludica dominata da castelli, treni e ambientazioni fantasy: Hargrave voleva un gioco sui temi che amava davvero. Le sue passeggiate birdwatching al Lake Artemesia, vicino casa, sono diventate il punto di partenza per quello che all’inizio si chiamava semplicemente “Bring in the Birds”. Per costruirlo ha attinto ai database ornitologici del Cornell Lab of Ornithology e della National Audubon Society, trasformando dati scientifici reali sulle abitudini alimentari e gli habitat degli uccelli in meccaniche di gioco. Il risultato è un gioco di gestione di carte ed engine-building in cui i giocatori popolano una riserva naturale con specie diverse, ciascuna con un potere unico legato al comportamento reale dell’animale.

Il percorso verso la pubblicazione non è stato immediato: Hargrave ha impiegato circa quattro anni tra ricerca, playtesting settimanale con un gruppo di amici e continui affinamenti, prima di presentare il progetto a tre editori al Gen Con del 2016. A crederci fu Stonemaier Games, che lo pubblicò nel marzo 2019. Il successo fu quasi immediato e travolgente: 44’000 copie vendute nei primi due mesi attraverso tre ristampe, con l’editore costretto a scusarsi pubblicamente per l’impossibilità di soddisfare la domanda. Pochi mesi dopo, Wingspan si aggiudicò il Kennerspiel des Jahres 2019, il prestigioso premio tedesco per il miglior gioco “per intenditori” dell’anno. Da allora, tra gioco base ed espansioni (tra cui Wingspan Asia, uscita nel 2022), la serie ha superato i 2,5 milioni di copie vendute nel mondo, ha ricevuto un adattamento videoludico ed è diventata uno dei titoli hobbistici più discussi del decennio.

Una ludografia di temi naturali: dai fiori alle farfalle, fino ai funghi

Wingspan non è rimasto un episodio isolato. Hargrave ha costruito negli anni una vera e propria collezione di giochi accomunati da un filo conduttore: raccontare attraverso il gioco un fenomeno naturale poco conosciuto ma affascinante.

  • Tussie-Mussie (2019, Button Shy Games) è arrivato sugli scaffali pochi mesi dopo Wingspan: un piccolo gioco di sole 18 carte, nato durante il concorso di design “GenCan’t” di Button Shy nel 2018 e finanziato su Kickstarter, con un obiettivo di appena 1’000 dollari che ne ha raccolti oltre 80’000. Ogni carta rappresenta un fiore diverso, con il suo significato segreto secondo il linguaggio dei fiori in voga nell’epoca vittoriana.
  • Mariposas (2020, Alderac Entertainment Group) racconta invece la straordinaria migrazione multigenerazionale della farfalla monarca, che ogni anno percorre migliaia di chilometri tra il Messico e il Canada senza che un singolo esemplare compia mai l’intero tragitto. L’idea è nata dalla visita di Hargrave a un santuario messicano delle farfalle nel 2003 e dalla lettura del romanzo Flight Behavior di Barbara Kingsolver.
  • The Fox Experiment (2023, Pandasaurus Games, co-progettato con Jeff Fraser) è un gioco di dice-drafting e costruzione del motore, con una componente di roll-and-write nella fase in cui si tirano i dadi e si segnano i simboli sulle carte dei cuccioli. È ispirato a un fatto realmente accaduto: il celebre esperimento di addomesticamento delle volpi avviato in Siberia dai genetisti sovietici Dmitrij Beljaev e Ljudmila Trut, che selezionarono per generazioni gli esemplari più docili osservando l’emergere di tratti fisici tipici degli animali domestici.
  • Undergrove (2024, Alderac Entertainment Group, co-progettato con Mark Wootton) esplora le reti micorriziche, i legami simbiotici sotterranei tra alberi e funghi che si sono evoluti in centinaia di milioni di anni. Non stupisce che dietro ci sia una designer attiva da anni nella Mycological Society di Washington: il gioco include decine di specie fungine reali, illustrate con la stessa cura scientifica che aveva già contraddistinto Wingspan.

Il prossimo capitolo: le conchiglie di Sanibel

Il progetto più recente porta Hargrave a tornare, in un certo senso, a casa. Sanibel, pubblicato da Avalon Hill (Hasbro) e arrivato nei negozi specializzati a gennaio 2026, è un gioco di piazzamento tessere ambientato sull’omonima isola della Florida, celebre in tutto il mondo per la raccolta di conchiglie. I giocatori passeggiano lungo la spiaggia raccogliendo conchiglie e incastrandole, con una logica quasi da Tetris, all’interno della propria sacca personale. È un titolo pensato per un pubblico più ampio e rilassato rispetto ai precedenti, ma che conserva la cifra stilistica dell’autrice: un’illustrazione naturalistica curatissima – in questo caso ad acquerello – al servizio di un tema che pochi altri giochi avevano mai raccontato.

Un’eredità che va oltre le scatole di gioco

Il contributo di Hargrave al settore, però, non si misura solo in copie vendute o premi vinti. Dopo essersi sentita ripetutamente descrivere come “una delle poche donne a creare giochi da tavolo“, ha iniziato a compilare un elenco pubblico di designer donne, non binarie e nere attive nel settore, arrivando a censirne oltre 200 e trasformando poi il progetto in una serie di liste consultabili su BoardGameGeek. Nel 2020 ha scritto un lungo intervento sul blog di Stonemaier Games sul tema della rappresentanza nel game design, sottolineando come nel 2018 il 94% dei designer tra i primi 200 giochi in classifica su BGG fosse composto da uomini bianchi. Questo impegno le è costato anche episodi spiacevoli: nel 2023 è stata bersaglio di commenti sessisti da parte dell’allora COO di AEG, Ryan Dancey, proprio dopo aver segnalato pubblicamente la scarsa rappresentanza femminile nell’industria.

Jamey Stegmaier, fondatore di Stonemaier Games e primo editore di Wingspan, l’ha descritta come una figura capace di dare voce a chi nel settore è sotto-rappresentato, sostenendo che l’impatto di Hargrave sull’industria – attraverso i suoi giochi ma anche attraverso questo lavoro di advocacy – sarà duraturo.

Perché la sua storia conta

Quello che rende la storia di Elizabeth Hargrave particolarmente significativa è la combinazione fra due elementi raramente uniti in un solo percorso: il rigore quasi scientifico nella costruzione dei suoi giochi – frutto della sua formazione da analista di dati – e una sensibilità autentica per raccontare angoli poco esplorati del mondo naturale, dagli uccelli alle farfalle, dalle volpi siberiane alle reti fungine sotterranee, fino alle conchiglie di una spiaggia della Florida. Da designer esordiente capace di far uscire dal magazzino le copie di un gioco più in fretta di quanto l’editore riuscisse a ristamparle, a voce di riferimento per l’intero settore, ha dimostrato che c’è spazio – e pubblico – per giochi che parlano di ciò che troppo spesso passa inosservato.

Fonte principale (che rimanda a tante altre fonti):

Il mistero di Anthony Uruburu e le autrici dimenticate degli anni ’80

C’è un nome, citato come autore di un gioco nella versione tedesca del 1984, che da quarant’anni fa impazzire gli appassionati di giochi da tavolo: Anthony Uruburu.

Provate a cercarlo. Non troverete un’intervista, una fotografia, un’altra opera firmata da lui. Eppure quel nome è lì, come autore ufficiale di uno dei giochi più importanti mai pubblicati: Sherlock Holmes Criminal-Cabinet, Spiel des Jahres, il “gioco dell’anno” tedesco, il premio più prestigioso del settore, nel 1985. Un signore che vince il premio più ambito del mondo ludico e poi, semplicemente, non si fa vivo, sparisce nel nulla. Come se non fosse mai esistito.

Ed è proprio questo il punto: forse non è realmente mai esistito!

Un autore che forse non c’è mai stato

Ce lo racconta, con la consueta pignoleria, la voce tedesca di Wikipedia dedicata al caso: non si sa se dietro il nome Anthony Uruburu si celi davvero una persona in carne e ossa, oppure se si tratti di uno pseudonimo inventato a tavolino dall’editore Kosmos. Il curatore della retrospettiva ufficiale dello Spiel des Jahres racconta che a suo tempo qualcuno, presentatosi con quel nome, si sarebbe effettivamente materializzato presso la casa editrice al momento della firma del contratto, per poi non ripresentarsi mai più, nemmeno alla cerimonia di premiazione, dove ci si aspetterebbe un vincitore in carne e ossa a ritirare il riconoscimento.

Come se non bastasse, a rendere la faccenda ancora più misteriosa, “Anthony Uruburu” è anche il nome di un personaggio che compare dentro il gioco stesso, nel Caso 5, “La Maledizione della Mummia” (nelle nuove edizioni del gioco è il Caso 6), un cortocircuito degno delle migliori storie di Arthur Conan Doyle, dove l’autore e un personaggio del suo stesso gioco condividono lo stesso nome.

Un giallo nel giallo, insomma.

La vera storia: una coppia, un illustratore, e un’idea geniale

Il gioco tedesco del 1984 non era un’opera originale: era la localizzazione di un titolo americano uscito qualche anno prima, nel 1981-82, con il nome Sherlock Holmes: Consulting Detective, pubblicato da una piccola casa editrice indipendente della zona di San Francisco, Sleuth Publications. I suoi autori erano due (più Raymond Edwards, che fu in gran parte responsabile della realizzazione della mappa; la realizzò meticolosamente a mano): Gary Grady e Suzanne Goldberg, in seguito marito e moglie. Un giorno decisero di creare un gioco investigativo su Holmes senza precedenti: niente dadi, niente plancia labirintica, solo una mappa di Londra, un finto giornale d’epoca e la richiesta, ai giocatori, di pensare davvero come investigatori.

Quando Kosmos portò il gioco in Germania, il lavoro di traduzione e adattamento fu affidato alla traduttrice Leonore Puschert. Ma nei crediti dell’edizione tedesca il suo nome non comparve da alcuna parte. Fu l’editore stesso che decise di indicare come autore quell'”Anthony Uruburu” mai più risentito, come conferma la stessa retrospettiva ufficiale dello Spiel des Jahres. Il risultato fu che tanto i tre veri creatori del gioco – compresa Suzanne Goldberg, che di quella squadra faceva parte a pieno titolo – quanto Leonore Puschert, che quell’edizione l’aveva materialmente tradotta e adattata, sparirono dai crediti del titolo che avrebbe vinto il premio più importante d’Europa, sostituiti da un nome di fantasia scelto dalla casa editrice.

Suzanne Goldberg, va detto, è riapparsa nella storia del gioco: di recente, dopo più di 40 anni, ha partecipato a un’intervista organizzata da Dave Neale per raccontare la genesi di Sherlock Holmes: Consulting Detective e il suo impatto nel settore. Una testimonianza davvero preziosa. Suo marito Gary, purtroppo, è morto nel 2004, e di Ray non ha più informazioni dal 1989.

Perché questo gioco ha cambiato tutto

Se oggi Sherlock Holmes Consulente Investigativo vi suona familiare, è perché è tornato prepotentemente sugli scaffali: prima con l’editore francese Ystari, che lo ha ristampato a partire dal 2011, poi su scala internazionale con Space Cowboys/Asmodee, con nuove scatole di casi (Jack lo Squartatore, Gli Irregolari di Baker Street, ecc.). È uno dei pochissimi titoli nati negli anni ’80 a essere stato ripubblicato con questo successo a distanza di oltre trent’anni, continuando a vendere e a conquistare nuovi giocatori.

Ma il suo contributo più grande è genetico: Sherlock Holmes: Consulting Detective ha portato alla ribalta di fatto il genere dei giochi da tavolo narrativi cooperativi, quelli in cui la storia è il vero motore dell’esperienza. Da quel seme sono germogliati, decenni dopo, titoli come Chronicles of Crime, Detective: sulla scena del crimine e T.I.M.E Stories (con anch’esso un’autrice donna: Peggy Chassenet), tutta una famiglia di giochi che mescolano narrazione, deduzione e meccaniche sempre più sofisticate. Difficile immaginare quel genere senza il lavoro di Grady e Goldberg – e senza il coraggio editoriale di pubblicare, nel 1981, un gioco che assomigliava più a un romanzo interattivo che a un gioco da tavolo tradizionale.

1983: un altro anno d’oro, un’altra autrice rimasta in ombra

Restando negli stessi anni, c’è un altro capolavoro che merita la stessa attenzione: Scotland Yard, Spiel des Jahres nel 1983, due anni prima di Sherlock Holmes Consulente Investigativo. Qui la squadra era numerosa: sei autori – Manfred Burggraf, Dorothy Garrels, Wolf Hörmann, Fritz Ifland, Werner Scheerer e Werner Schlegel – che nel giro di nove mesi trasformarono un prototipo dal nome provvisorio “Manhattan” in uno dei giochi a movimento nascosto più influenti di sempre, con la sua caccia asimmetrica e cooperativa a Mister X per le strade di Londra.

Dorothy Garrels è passata alla storia come la prima donna a vincere lo Spiel des Jahres. Eppure, a differenza dei suoi colleghi, il suo contributo specifico al design del gioco resta oggi quasi del tutto privo di documentazione: nessuna intervista approfondita, nessun racconto del suo ruolo preciso nella squadra. Un altro caso in cui il nome resta, ma la storia dietro quel nome si è persa purtroppo per strada.

Anche Scotland Yard ha reso celebre un intero filone: quello dei giochi a movimento nascosto e inseguimento asimmetrico, che negli anni successivi ha dato vita a titoli come Lettere da Whitechapel e Fury of Dracula, la stessa idea di base, rivestita ogni volta di un’ambientazione diversa.

Jenga: quando il target si abbassa, ma il genio resta lo stesso

Chiudiamo con un titolo apparentemente più leggero, pensato per un pubblico più ampio e più giovane, ma altrettanto rivoluzionario a modo suo: Jenga. Il gioco delle torri di legno che crollano nasce da un’infanzia passata in Africa: la sua autrice, Leslie Scott, nata in Tanzania e cresciuta tra Kenya, Uganda, Sierra Leone e Ghana, costruì da bambina un gioco casalingo con degli scarti di legno di una segheria di Takoradi, in Ghana. Quel gioco di famiglia, portato con sé a Oxford, diventò negli anni un piccolo rituale tra amici, finché Scott non decise di trasformarlo in un prodotto vero e proprio, battezzandolo con la parola swahili jenga, che significa “costruire”.

Lo lanciò da sola, attraverso la sua azienda Leslie Scott Associates, al London Toy Fair del gennaio 1983, un ambiente notoriamente dominato da uomini, in cui il gioco non ebbe affatto un’accoglienza immediata. Ci vollero anni e parecchia testardaggine (incluso il rifiuto di cambiare il nome “Jenga”, che ai distributori sembrava privo di senso) prima che il gioco arrivasse, tramite licenza, a Hasbro nel 1986, diventando uno dei giochi più venduti e più conosciuti al mondo.

Jenga non ha inventato un genere narrativo, ma ha fatto qualcosa di altrettanto prezioso: ha dimostrato che un gioco quasi senza regole, fatto di sola tensione fisica e polso fermo, può reggere quarant’anni di partite. Ancora oggi resta uno strumento educativo di prim’ordine per allenare la motricità fine nei bambini piccoli, semplice da spiegare in trenta secondi, difficile da abbandonare una volta iniziato.

Tre giochi, tre autrici, una storia da riscrivere

Mettendoli in fila, questi tre titoli raccontano una traiettoria curiosa. Sherlock Holmes Consulente Investigativo ha reso celebre il gioco narrativo cooperativo. Scotland Yard ha inventato l’inseguimento asimmetrico cooperativo. Jenga ha perfezionato il party game fisico universale. Tre pilastri della ludoteca moderna, tutti nati nella stessa manciata di anni, e in ognuno di essi, da qualche parte nei crediti (o fuori da essi), c’è una donna: Suzanne Goldberg, cancellata in Germania da uno pseudonimo inventato; Dorothy Garrels, prima vincitrice donna dello Spiel des Jahres ma quasi invisibile nelle fonti; Leslie Scott, che il suo nome è riuscita a tenerselo stretto, ma solo a forza di testardaggine, in una fiera del gioco che non la voleva ascoltare.

Non è un caso isolato, è probabilmente solo la punta di un iceberg molto più grande fatto di co-designer, illustratrici, editor e sviluppatrici il cui lavoro, negli anni ’80 come oggi, fatica più spesso a restare scritto sulla scatola. La prossima volta che aprite uno di questi giochi per una partita, vale la pena ricordarselo: dietro Mister X, dietro i Baker Street Irregulars, dietro ogni torre di Jenga che crolla tra le risate e la disperazione, ci sono anche storie di donne che il gioco l’hanno inventato, e che meritano di essere raccontate tanto quanto le regole che hanno scritto.

Fonti e approfondimenti:

Inka Brand: la designer tedesca

Se negli ultimi quindici anni avete giocato a un titolo tedesco che vi ha fatto esclamare “ma che idea geniale!”, c’è una buona probabilità che dietro ci fosse lei: Inka Brand, una delle designer più prolifiche e versatili della scena ludica europea.

Insieme al marito Markus Brand, con cui forma uno dei duo creativi più celebri del settore, Inka ha firmato decine di giochi capaci di spaziare dal gestionale complesso al party game più leggero, passando per l’invenzione di un genere intero: quello dei giochi “escape room da tavolo”.

Gli inizi: una passione nata per caso

La storia dei Brand comincia nel modo più tipico per il mondo dei giochi da tavolo: si sono conosciuti nel 1999, hanno legato proprio per via della passione comune per i giochi e hanno iniziato a crearne di propri. Non è stato un percorso immediato: per anni i loro prototipi non hanno trovato editori interessati, finché nel 2006 sono riusciti finalmente a pubblicare il loro primo titolo.

Da allora la coppia non si è più fermata, arrivando a firmare oltre 40 giochi e numerosi riconoscimenti internazionali nel corso della loro carriera.

Village: il capolavoro che li ha consacrati

Il vero salto di qualità arriva nel 2011 con Village, un gestionale a tema storico per 2-4 giocatori incentrato sulla gestione delle risorse e sull’ascesa di una famiglia all’interno di un villaggio medievale.

Ciò che rende Village memorabile è il suo tema, affrontato in modo insolito per l’epoca: il gioco rappresenta in maniera unica la vita tipica di un villaggio, e in particolare l’inserimento del tema della morte risulta tanto innovativo quanto inconsueto, con personaggi che appartengono a generazioni diverse, nascono e muoiono nel corso della partita. Un meccanismo che all’epoca fece discutere, ma che oggi è considerato uno degli esempi più riusciti di integrazione tra tema e meccanica nel panorama eurogame.

Il riconoscimento non si è fatto attendere: Village ha vinto sia il Deutscher Spiele Preis sia il Kennerspiel des Jahres 2012, i due premi più prestigiosi del settore in Germania, consacrando i Brand come autori di riferimento del genere gestionale.

Exit: The Game, la rivoluzione dell’escape room da tavolo

Se Village ha dato loro credibilità nel mondo dei giochi medio-pesanti, è con Exit: The Game che Inka e Markus Brand hanno letteralmente creato un genere.

L’idea nasce dall’incontro con l’editor Ralph Querfurth: dopo aver scoperto una delle prime escape room della sua città, Stoccarda, ebbe l’intuizione di trasferire l’idea dell’escape game nel formato del gioco da tavolo, sviluppando poi il concetto insieme a Kosmos, che scelse Inka e Markus Brand come designer per dare forma al progetto insieme a lui.

Il risultato è stata una piccola rivoluzione: i Brand non si sono limitati a creare un gioco ambientato in un’escape room, ma sono riusciti a far sì che la scatola stessa si comportasse come una stanza da cui fuggire, con enigmi, indizi nascosti e una componente fisica ed emotiva molto forte – ed è stata proprio questa la parte più difficile della progettazione.

Il successo è stato clamoroso, sia di pubblico che di critica: la serie ha ottenuto il Kennerspiel des Jahres 2017, uno dei premi più ambiti del settore, aprendo la strada a decine di ambientazioni diverse (dalla tomba di un faraone alla stazione polare, fino ai crossover con Catan) e trasformando Exit in un fenomeno globale che ha ispirato molti imitatori.

Altre perle ancora: I Ragià del Gange e Word Slam

La produzione dei Brand è tutt’altro che monotematica. Tra i loro titoli più apprezzati troviamo:

  • I Ragià del Gange (2017): un gestionale ambientato nell’India del passato, che unisce piazzamento di dadi e percorso a doppia traccia (fama e denaro) in un design elegante e molto rigiocabile, tanto da aver ricevuto anche una fortunata trasposizione in versione “roll and write”.
  • Word Slam (2016): dimostrazione della loro versatilità, un party game di parole frenetico e immediato, pensato per gruppi numerosi e serate leggere, l’esatto opposto, per peso e complessità, di un gestionale come Village.
  • Murano: altro titolo gestionale ben accolto dalla community, ambientato nella celebre isola veneziana della lavorazione del vetro.
  • A Castle for All Seasons: apprezzato gestionale a tema castellano, tra i più votati dai fan storici della coppia.

Non mancano poi le incursioni nel mondo dei giochi per famiglie e bambini, come Der verzauberte Turm (La torre incantata), vincitore del Kinderspiel des Jahres 2013, il premio dedicato ai migliori giochi per l’infanzia.

Perché Inka Brand conta così tanto nel panorama ludico

Quello che colpisce, ripercorrendo la carriera di Inka Brand (e di suo marito), è l’ampiezza dello spettro coperto: dal gestionale denso e maturo di Village, al party game istantaneo di Word Slam, fino all’invenzione di un genere completamente nuovo con Exit. Pochi designer riescono a muoversi con la stessa naturalezza tra registri così diversi, mantenendo però un filo conduttore riconoscibile: l’attenzione quasi ossessiva a far sì che il tema non sia mai un semplice rivestimento, ma diventi parte integrante dell’esperienza di gioco.

Con premi come il Kennerspiel des Jahres vinto due volte (2012 e 2017) e il Kinderspiel des Jahres nel 2013, Inka Brand si conferma una delle poche designer capaci di eccellere contemporaneamente in categorie di pubblico completamente diverse, dai gamer esperti alle famiglie con bambini piccoli. Un motivo in più per tenere d’occhio ogni nuova uscita porti la sua firma.

Le donne che muovono i tavoli dentro e fuori dal gioco

Perché parlare di rappresentanza femminile nel gioco da tavolo, e perché questo articolo finisce per parlare di tutt’altro

Oggi vorrei tornare a parlare delle persone che il gioco da tavolo lo fanno esistere, non solo chi lo crea, ma chi lo giudica, chi lo pubblica, chi lo racconta, chi organizza gli spazi in cui lo si scopre. E vorrei farlo partendo da un dato che fa male (e che noi già conosciamo), ma che è meglio guardare in faccia piuttosto che ignorare.

Il dato di partenza

Quest’anno la giuria dello Spiel des Jahres – il premio più influente del settore in lingua tedesca, e probabilmente al mondo – ha esaminato un numero record di giochi: 571. Di questi, solo il 2,3% era firmato da designer donne, contro il 94% di designer uomini (il resto team misti). Non è un’anomalia di quest’anno: nel 2025 la percentuale era del 2%, nel 2024 del 2,6%, un dato sostanzialmente fermo da anni.

Se si guarda alla storia del premio, il quadro non migliora: dal 1999 a oggi, contando tutte le nomination (non solo le vittorie), sono state appena cinque le designer donne nominate, contro 103 uomini, meno del 5% in oltre due decenni. Il dato emerse pubblicamente nel 2023 grazie a un contributo di Elizabeth Hargrave, autrice di Wingspan (uno dei giochi più premiati e venduti dell’ultimo decennio), che pubblicò questi numeri non come accusa alla giuria in sé, ma come segnale di un problema più a monte, quello che lei stessa chiamò “una critica alla pipeline”: il problema comincia prima, in chi arriva a proporre un gioco, con quali risorse, con quale rete di sostegno.

Le donne ci sono, semplicemente si vedono meno

Il punto di questo articolo non è “le donne non ci sono nel settore”: ci sono, e da protagoniste. È che restano sistematicamente meno visibili, meno premiate, meno centrali nel racconto pubblico che il settore fa di sé stesso. Qualche esempio, per dare corpo al discorso.

Nel design, oltre alla già citata Hargrave, c’è Inka Brand, co-designer (insieme al marito Markus) di più giochi vincitori di qualche premio.

Nell’editoria, Molly Johnson ha fondato nel 2017 Flatout Games a Seattle insieme a Robert Melvin e Shawn Stankewich, e ha creato un modello di collaborazione (Flatout Games CoLab) pensato esplicitamente per dare più equità economica ai creatori emergenti. Helaina Cappel, fondatrice di Kids Table Board Gaming e poi di Burnt Island Games, ha pubblicato decine di titoli in un decennio e oggi lavora per aprire nuove strade a comunità storicamente marginalizzate nel settore.

Nell’organizzazione delle fiere, che sono il cuore pulsante dell’industria, Carol Rapp guida come Managing Director Spiel Essen – la fiera più grande al mondo, oltre 200’000 visitatori l’anno – mentre Megan Culver è Vice President Sales, Marketing and Events di Gen Con, la più grande convention nordamericana, ruolo che ricopre dal 2020 dopo una carriera nell’organizzazione iniziata nel 2002.

Nel giornalismo e nella critica di settore, Maren Hoffmann è portavoce della giuria dello Spiel des Jahres, la voce pubblica che ogni anno spiega al pubblico tedesco le scelte del premio, mentre Bérengère Prévost (Penelope) in Francia è presidente della giuria dell’As d’Or – Jeu de l’Année.

E poi c’è chi il settore lo studia da fuori, con gli strumenti dell’accademia: penso a Tanya Pobuda, ricercatrice canadese che ha dedicato la sua ricerca proprio alla rappresentanza di genere e etnico-razziale nel mondo del board gaming – di lei, e del perché il suo lavoro mi sembri importante, dirò qualcosa di più tra poco.

Il quadro che emerge, insomma, non è “assenza”: è presenza sistematicamente sottostimata. Le donne progettano, pubblicano, organizzano, raccontano, ma restano ai margini della narrazione ufficiale del settore, quella fatta di premi, copertine, nomi che tutti conoscono a memoria.

Come nel mondo là fuori

Al di fuori del mondo ludico, esistono donne il cui contributo alla società è ormai riconosciuto da tempo, senza bisogno di doverlo rivendicare, come qualcosa di ineludibile, capace di cambiare non solo un singolo settore, ma il modo stesso in cui intere generazioni pensano la scienza, l’economia, la giustizia, la cura di sé e degli altri. Donne che, nel corso della mia vita, mi hanno cambiato qualcosa dentro, scrivendo libri che ho letto, o semplicemente vivendo in un modo che mi ha formato più di qualunque teoria. È questo tipo di centralità, questo peso specifico nel discorso pubblico, che mi auguro un giorno possa esserci anche all’interno del mondo dei giochi da tavolo. Non più un contributo femminile da segnalare come eccezione o come dato statistico ancora troppo basso, ma qualcosa di scontato e fondamentale allo stesso tempo.

Le donne che mi hanno ispirato e influenzato

Parto da chi, per me, ha un posto speciale nel cuore: Annalena Tonelli. Non un’autrice in senso tradizionale – non ha scritto libri che si trovano in libreria – ma una donna che per oltre trent’anni si è dedicata alla cura dei malati di tubercolosi e lebbra in Somalia e Kenya, fondando scuole e centri sanitari per rifugiati in condizioni che quasi nessuno sceglierebbe di affrontare. Fu uccisa nel 2003 in Somaliland. La sua storia mi ha insegnato la vera natura del coraggio silenzioso, quello che non cerca pubblico, non cerca riconoscimento, semplicemente va dove c’è bisogno.

Naomi Oreskes mi ha insegnato a guardare con occhio critico il modo in cui il dubbio scientifico può essere costruito e venduto ad arte. Storica della scienza, ha documentato meticolosamente come intere industrie – dal tabacco ai combustibili fossili – abbiano finanziato campagne per seminare incertezza su verità scientifiche solide, in libri come Mercanti di dubbi e Why Trust Science? Da lei ho imparato a chiedermi sempre: chi trae vantaggio dal dubbio che sto leggendo?

Marion Nestle mi ha aperto gli occhi su quanto le nostre scelte alimentari, che sembrano le più personali e libere che facciamo ogni giorno, siano in realtà pesantemente orientate da interessi industriali. Food Politics e Soda Politics mi hanno insegnato a leggere un’etichetta con sospetto sano, non paranoico.

Kate Raworth mi ha dato un linguaggio nuovo per pensare all’economia: il suo modello della “ciambella”, in L’economia della ciambella, propone di ripensare la crescita economica entro i limiti del pianeta ma sopra la soglia dei bisogni sociali minimi, un’immagine semplice che porto con me ogni volta che sento parlare di PIL come unico indicatore di benessere.

Elizabeth Kolbert, con La sesta estinzione, mi ha fatto sentire – non solo capire, sentire – la scala reale della crisi della biodiversità in corso. È un libro che non lascia scampo alla comoda distanza intellettuale.

Vandana Shiva mi ha insegnato l’importanza di difendere la biodiversità agricola e i diritti dei piccoli agricoltori contro il potere delle multinazionali agroalimentari, pur sapendo, e qui cerco di essere onesto con me stesso, che alcune delle sue affermazioni controverse sono state contestate da diversi esperti. Anche imparare a tenere insieme ammirazione e spirito critico verso la stessa persona è stata, in fondo, una lezione.

Angela Duckworth e Carol Dweck le metto insieme perché mi hanno insegnato, in tempi diversi della mia vita, due facce della stessa medaglia: che la perseveranza (la grinta di Duckworth) conta più del talento, e che il modo in cui pensiamo alla nostra intelligenza – fissa o capace di crescere, la mentalità di crescita di Dweck – cambia concretamente ciò che siamo disposti a provare a fare.

Anna Lembke mi ha aiutato a capire meglio come la ricerca compulsiva di piccole dosi di piacere immediato – dal cibo ultra-processato agli schermi – generi nuove forme di dipendenza nella vita quotidiana di tutti noi, non solo di chi ha una diagnosi.

Susan Cain, con Quiet, mi ha insegnato a non leggere l’introversione altrui come un difetto da correggere, ma come qualcosa con un enorme potenziale.

Anne Hooper, con i suoi manuali su sessualità e relazioni, mi ha insegnato che si può parlare con onestà e senza imbarazzo di argomenti che la nostra cultura tende ancora a trattare con vergogna.

Mariana Mazzucato ha ribaltato un pregiudizio che non sapevo nemmeno di avere: quello secondo cui l’innovazione nasce sempre e solo dall’iniziativa privata. Lo Stato innovatore mi ha mostrato quanto le tecnologie che diamo per scontate – dal touchscreen a Internet – abbiano radici profonde in investimenti pubblici raramente riconosciuti.

Kimberlé Crenshaw sento, per il momento, di averla solo sfiorata, ma necessita di essere nominata: il concetto di intersezionalità, che ha coniato negli anni ’80 per spiegare come razza (intesa come categoria sociale, non biologica), genere e classe si intreccino generando forme di discriminazione che nessuna delle tre, presa da sola, riesce a spiegare fino in fondo, mi sembra uno di quegli strumenti concettuali che meritano più tempo di quanto io gli abbia mai dedicato. È una delle autrici che, come tante altre che non ho ancora avuto modo di approfondire davvero (Rita Segato, Ngozi Okonjo-Iweala, Wangari Maathai, Katharine Hayhoe, Marcia Angell, Hannah Ritchie, ecc.), vorrei conoscere meglio in futuro.

Tornando al tavolo da gioco

Chiudo questo elenco personale con Tanya Pobuda, che è anche il ponte naturale per tornare al tema con cui questo articolo si era aperto. Studiosa canadese, ha dedicato parte della sua ricerca accademica proprio alla rappresentanza di genere ed etnico-razziale nel mondo del board gaming, un lavoro che, leggendolo, mi ha fatto capire che il disagio latente che provavo istintivamente guardando le classifiche dei giochi e i premi non era solo un’impressione personale, ma un fenomeno misurabile, studiato, con una letteratura scientifica alle spalle.

Cosa vorrei raccontare nei prossimi mesi

Questo articolo nasce da un’esigenza che sento sempre più urgente: dare più spazio, su questo blog, a chi nel gioco da tavolo costruisce, giudica, pubblica e racconta pur restando troppo spesso ai margini della narrazione ufficiale del settore. Per questo, nei prossimi mesi, vorrei dedicare uno spazio specifico a due filoni che meritano un approfondimento serio, più di quanto io abbia potuto fare qui.

Il primo è la storia del contributo delle designer donne nel gioco da tavolo degli ultimi decenni: chi sono state le pioniere meno raccontate, quali giochi hanno cambiato silenziosamente il settore senza ricevere lo stesso riconoscimento dei colleghi uomini, e come si è evoluta (o non evoluta abbastanza, come i numeri di apertura di questo articolo dimostrano) la loro presenza nel tempo.

Il secondo è più contemporaneo: il ruolo delle content creator donne oggi attive sui social che stanno costruendo un pubblico nuovo e diverso per l’hobby, spesso con un linguaggio e uno sguardo che i canali tradizionali del settore faticano ancora a intercettare.

Insomma, c’è ancora molto da raccontare. Vedremo se avrò le forze per farlo con costanza.

È giunto il tempo

“La partecipazione di persone di tutti i generi nell’hobby dei giochi da tavolo è cruciale, non solo per le donne e le persone non binarie – garantendo loro l’accesso a un’attività così benefica – ma anche per l’hobby stesso. Raccogliere prospettive diverse, provenienti da condizioni sociali diverse, porta nuove idee, nuovi giochi, nuove dinamiche, nuovi meccanismi e nuovi temi. Arricchisce il nostro hobby e le esperienze che esso ci offre. È tempo che le donne rivendichino questa attività di svago, questa possibilità di carriera. È tempo che la comunità dei giochi da tavolo apra le proprie porte e tagli le proprie corde invisibili. È tempo di avere più Grandi Donne e Persone Non Binarie che progettano Giochi da Tavolo.”

(Carolina Magalhães Dias, Why have there been no great women or non-binary board game designers?, International Journal of Games and Social Impact, Vol. 1, No. 2, 2023, p. 168)

Mettere in dubbio gli equilibri di una comunità

Cosa accade quando una ricerca mette in discussione gli equilibri di una comunità? Nel caso di Tanya Pobuda, la risposta è arrivata proprio dalla comunità dei giocatori e delle giocatrici: accanto al sostegno di molti appassionati, la sua nota ricerca del 2018 sulla rappresentazione di genere ed etnico-razziale nell’industria dei giochi da tavolo suscitò una reazione aggressiva da parte di alcune componenti più reazionarie del mondo ludico, fino a sfociare in molestie e minacce personali. La stessa autrice racconta così nella sua tesi di dottorato del 2022, quattro anni più tardi, ciò che avvenne dopo la pubblicazione del suo studio:

“Dalla pubblicazione del mio studio del 2018, ho ricevuto riscontri da centinaia di giocatori di giochi da tavolo, editori e creatori di contenuti, che mi hanno incoraggiata a proseguire la ricerca su questo fenomeno culturale ancora poco studiato. Ciò indica che esiste sia una lacuna nella ricerca accademica, sia un interesse da parte del pubblico verso questo tipo di studi.
Allo stesso tempo, questa ricerca ha suscitato una notevole opposizione da parte degli elementi più reazionari della comunità degli appassionati, dimostrando ampiamente quanto questa comunità possa essere tossica per le persone che non si identificano come uomini bianchi, cisgender ed eterosessuali.
Dopo che i risultati del mio studio del 2018 sono stati ripresi da due famigerati media reazionari dell’alt-right, il Daily Caller e il canale YouTube Louder with Crowder, ho ricevuto numerose minacce e sono stata vittima di alcuni episodi di molestia. Un lettore di Crowder arrivò a scrivere:
‘Gli uomini bianchi e asiatici costituiscono il pubblico principale dei videogiochi e dei giochi da tavolo. Proprio come femminucce, ipersensibili, lesbiche ed eunuchi costituiscono il pubblico principale della CNN e delle università liberal.’
(Louder with Crowder, 2018)
Altri commentatori presenti su questi siti dell’alt-right misero in dubbio la mia sanità mentale, mi derisero per il presunto spreco dei soldi dei contribuenti statunitensi (sono canadese e svolgo le mie ricerche in Canada, senza alcun finanziamento statunitense) e un individuo particolarmente fantasioso arrivò persino a pianificare la mia morte nella natura selvaggia dell’Alaska, suggerendo che mi avrebbe fatta calare, nuda, da un elicottero direttamente tra gli artigli letali di alcuni orsi affamati.
Ciononostante, ho perseverato, e ora presento questa nuova e più ampia ricerca.”

(Tanya Pobuda, “I Didn’t See Anyone Who Looked Like Me”: Gender and Racial Representation in Board Gaming, Thesis, Toronto Metropolitan University, 2022, p. 9)

È in un simile contesto storico che nasce nel 2020 il thread “In Poppa Magna”, un thread di ampio successo sul forum de La Tana dei Goblin (parliamo della community di giochi da tavolo più grande d’Italia), thread particolarmente problematico, in cui la donna viene oggettificata. L’oggettificazione della figura femminile rappresenta una delle forme più diffuse di sessismo nell’iconografia dei giochi da tavolo. Più persone hanno chiesto nel corso degli ultimi sei anni la chiusura di quello spazio, voci costantemente inascoltate. C’è gente che ha persino abbandonato la community in segno di protesta. Ben vengano le ricerche di Tanya Pobuda, con tutti i cambiamenti del caso necessari per rendere l’hobby del gioco da tavolo sempre più inclusivo.

Esperimenti sociali e giochi da tavolo: e se il vero gioco fosse osservare noi stessi?

C’è un istante, in alcuni giochi da tavolo, in cui smettiamo quasi di guardare le carte e cominciamo a guardare le persone.

Una pausa un po’ più lunga del solito. Uno sguardo. Un’esitazione. Una parola scelta con cura. Una richiesta apparentemente innocente. Oppure, al contrario, un silenzio che improvvisamente sembra dire moltissimo.

È in questi attimi che il gioco da tavolo può trasformarsi in qualcosa di sorprendente: una sorta di esperimento sociale in miniatura.

Non un esperimento scientifico, naturalmente. Non ci sono gruppi di controllo, variabili indipendenti o protocolli da laboratorio. Ma ci sono esseri umani messi davanti a regole artificiali che modificano deliberatamente il modo in cui comunicano, collaborano, si fidano, mentono e interpretano il comportamento degli altri.

E alcuni giochi lo fanno in maniera straordinariamente efficace.

The Mind: possiamo diventare una mente collettiva?

Partiamo da The Mind, forse il caso più puro.

Le regole sono quasi disarmanti nella loro semplicità: i giocatori ricevono carte numerate e devono giocarle in ordine crescente. Il problema? Non possono comunicare tra loro.

Niente suggerimenti. Niente “aspetta”. Niente “tocca a me”. Nessun modo esplicito per dire che si possiede una carta bassa o che è arrivato il momento di giocare.

Eppure il gruppo deve riuscire a coordinarsi.

È qui che accade qualcosa di curioso. I giocatori iniziano a osservare il ritmo degli altri, le pause, la postura, la velocità con cui una mano si avvicina alle carte. Cercano di costruire una sorta di grammatica condivisa, anche se nessuno l’ha mai concordata.

Il gioco diventa allora una domanda:

“Quanto possiamo coordinare il nostro comportamento senza comunicare esplicitamente?“

E, ancora più interessante:

“Quanto siamo capaci di leggere intenzioni e stati mentali negli altri?“

The Mind non ci chiede semplicemente di essere bravi con i numeri. Ci chiede di diventare, per qualche minuto, una piccola collettività che deve trovare un ritmo comune.

Don’t Get Got!: quando la partita invade la realtà

Se The Mind elimina la comunicazione, Don’t Get Got! fa quasi l’opposto: prende la nostra vita sociale e la trasforma in un campo di gioco.

Ogni partecipante riceve sei missioni segrete. Non si gioca necessariamente attorno a un tavolo: il gioco è pensato per svolgersi mentre si cena, si chiacchiera, si è in vacanza o si fa qualsiasi altra cosa. Le missioni consistono nel portare gli altri giocatori a compiere determinate azioni senza far capire loro che sono stati manipolati. Il primo a completarne tre vince.

Ed ecco la genialità del meccanismo.

Immaginiamo che un amico ci chieda:

“Mi passi quel bicchiere?”

Una richiesta perfettamente normale.

O forse no.

Forse è una missione.

Da quel momento, il nostro comportamento cambia. Cominciamo a dubitare delle intenzioni degli altri. Una richiesta apparentemente banale può diventare sospetta. Un gesto quotidiano assume un secondo significato.

Il gioco produce così una piccola dose di paranoia sociale controllata.

Non dobbiamo più chiederci soltanto “che cosa vuole da me questa persona?”, ma:

“Lo vuole davvero o lo sta facendo perché il gioco glielo impone?”

È un esperimento affascinante sulla fiducia, perché introduce artificialmente una cosa che nella vita reale cerchiamo continuamente di interpretare: le intenzioni nascoste degli altri.

The Resistance: la fiducia come risorsa

Con The Resistance entriamo in un territorio più conosciuto: quello dei giochi a ruoli nascosti.

Una parte del gruppo appartiene alla resistenza, alcuni giocatori sono invece spie. Le squadre vengono proposte, votate e mandate in missione. Le spie possono sabotarle, mentre la resistenza deve cercare di capire di chi fidarsi.

Ma ciò che rende interessante il gioco dal punto di vista sociale non è semplicemente il bluff.

È il modo in cui costruiamo la fiducia.

“Ha votato così perché è una spia?”

“Perché ha scelto proprio lui?”

“Perché questa volta ha cambiato idea?”

“Prima sembrava convincente. E adesso?”

A poco a poco, ogni giocatore costruisce una teoria sugli altri.

E qui il gioco diventa quasi uno studio sulle attribuzioni di intenzionalità: osserviamo un comportamento e cerchiamo di dedurne una motivazione.

Il problema è che le stesse azioni possono avere spiegazioni completamente diverse.

Una persona può votare contro una squadra perché ha individuato una spia.

Oppure perché è la spia.

Il comportamento è lo stesso. Cambia soltanto la storia che raccontiamo per interpretarlo.

Just One: quanto pensiamo allo stesso modo?

Passiamo poi a un esperimento apparentemente molto più innocuo: Just One.

Un giocatore deve indovinare una parola. Gli altri devono aiutarlo scrivendo ciascuno un unico indizio. Ma c’è una regola fondamentale: se due indizi sono identici, vengono eliminati prima che il giocatore possa vederli.

Sembra soltanto un gioco di parole.

In realtà contiene una piccola domanda di psicologia sociale:

“Quanto è prevedibile il pensiero degli altri?“

Se la parola è “pizza”, è molto probabile che qualcuno scriva “Italia”.

Ma se tutti pensano la stessa cosa, l’indizio scompare.

Quindi bisogna essere abbastanza prevedibili da aiutare il giocatore, ma abbastanza originali da non coincidere con gli altri.

È una situazione paradossale: dobbiamo contemporaneamente entrare nella mente degli altri e distinguerci da loro.

E così Just One mette in scena, in maniera leggerissima, uno dei problemi fondamentali della comunicazione umana: non basta sapere che cosa voglio dire. Devo anche immaginare che cosa gli altri pensano che io voglia dire.

Two Rooms and a Boom: fidarsi, convincere, scegliere

Ancora più esplosivo è Two Rooms and a Boom.

I giocatori vengono divisi in due squadre e in due stanze. Un giocatore è il presidente, un altro è il bomber. Durante una serie di round temporizzati, i gruppi discutono, eleggono leader e scelgono persone da scambiare con l’altra stanza. Alla fine, la posizione del presidente e del bomber determina la vittoria.

Il risultato è un gioco che obbliga a prendere decisioni sociali in condizioni di informazione incompleta.

“Di chi mi fido?”

“Chi devo mandare nell’altra stanza?”

“Chi sta cercando di convincermi?”

“Chi ha interesse a farmi credere qualcosa?”

La particolarità è che non basta individuare gli avversari: bisogna anche gestire le relazioni.

Puoi mentire.

Puoi dire la verità.

Puoi rivelare la tua identità.

Puoi fingere di rivelarla.

Puoi convincere qualcuno che sei affidabile e poi mandarlo dalla parte opposta.

Il gioco diventa così una piccola macchina per produrre coalizioni, negoziazioni, fiducia e tradimento.

E soprattutto mostra quanto rapidamente le persone costruiscano gerarchie e alleanze quando le regole le costringono a prendere decisioni collettive.

Cinque giochi, cinque domande

Messi uno accanto all’altro, questi cinque giochi sembrano quasi comporre una piccola mappa delle relazioni sociali.

The Mind ci chiede:

“Possiamo coordinarci senza parlare?”

Don’t Get Got!:

“Quanto cambia il nostro comportamento quando dubitiamo delle intenzioni degli altri?”

The Resistance:

“Come decidiamo di chi fidarci?”

Just One:

“Quanto riusciamo a prevedere il pensiero degli altri?”

Two Rooms and a Boom:

“Come si formano alleanze quando non possiamo conoscere tutte le informazioni?”

Ed è proprio questo che rende interessante parlare di esperimenti sociali attraverso i giochi da tavolo.

Le regole non sono soltanto un sistema che ci dice come vincere. Sono anche un modo per costringere le persone a comportarsi diversamente da come farebbero normalmente.

E quando lo fanno, emergono cose molto interessanti.

Ma anche molto meno divertenti.

E se l’esperimento sociale riguardasse il sessismo?

A questo punto il discorso può diventare più scomodo.

Perché se prendiamo sul serio l’idea che un gioco sia un dispositivo capace di mettere in luce dinamiche sociali, dobbiamo necessariamente chiederci:

“Che cosa succede quando le dinamiche sociali che entrano nel gioco sono quelle della società reale?“

Il sessismo, per esempio. Vale a dire la tendenza a valutare la capacità o l’attività delle persone in base al sesso e/o all’identità di genere, ovvero ad attuare una discriminazione sessuale.

Non è sufficiente guardare soltanto alle illustrazioni di una scatola o alla presenza di personaggi femminili. Il problema può riguardare anche chi viene ascoltato, chi viene considerato competente, chi viene interrotto, chi viene preso sul serio e chi viene percepito come “fuori posto”.

E questo è particolarmente interessante nel mondo dei giochi da tavolo perché il tavolo è, per definizione, uno spazio sociale.

Una ricerca pubblicata nel 2025, basata su 43 interviste a donne che frequentano il mondo del board gaming, ha evidenziato proprio questo tipo di dinamiche: stereotipi sulle competenze e sugli interessi delle donne, attribuzione di uno status inferiore e meccanismi di esclusione, talvolta sottili e talvolta molto meno sottili.

Un altro studio degli stessi autori ha rilevato come molte donne percepiscano ancora gli spazi del board gaming come spazi maschili, associati alla cosiddetta geek masculinity, e come questa percezione possa diventare una barriera alla partecipazione e al senso di appartenenza.

Non si tratta quindi soltanto di chiedersi:

“Quante donne giocano?”

Ma anche:

“Che esperienza fanno quando giocano?”

Il tavolo da gioco non è neutrale

Pensiamo a una situazione banale.

Una donna propone una strategia.

Nessuno la considera.

Qualche minuto dopo, un uomo propone esattamente la stessa strategia.

“Bella idea.”

Non c’è bisogno di un insulto esplicito perché si produca una dinamica sessista.

Oppure immaginiamo una giocatrice esperta che entra in un negozio specializzato e viene trattata come se fosse lì per accompagnare il proprio compagno. O che debba dimostrare più volte di conoscere un gioco prima che la sua competenza venga riconosciuta.

Sono episodi che possono sembrare piccoli se presi singolarmente. Ma proprio la loro ripetizione può produrre un effetto importante: far sentire una persona ospite in un luogo che dovrebbe appartenere anche a lei.

E non è un problema puramente teorico. Una ricerca dedicata alla rappresentazione di genere nei giochi da tavolo ha rilevato, in un campione dei 400 giochi meglio classificati su BoardGameGeek, che il 92,6% del lavoro di progettazione era attribuito a persone identificate come bianche e uomini; nello stesso studio, gli uomini e i ragazzi rappresentavano il 76,8% delle figure umane sulle copertine dei 200 giochi analizzati.

Sono numeri che non dimostrano, da soli, l’esistenza di una causa unica. Ma pongono una domanda difficile da ignorare:

“Chi immaginiamo quando immaginiamo ‘il giocatore’?”

Proviamo ad esempio a guardare le ultime venti copertine della rivista italiana ioGioco. Chi si immaginano come target in tutta onestà? Se facciamo il confronto con la rivista francofona Plato, cosa emerge?

Ecco perché gli esperimenti sociali sono importanti

Gli esperimenti sociali che mostrano discriminazioni di genere – come quelli a cui rimandano ad esempio i video del canale tedesco ARD (Quanto sei sessista? L’esperimento) o del famosissimo canale italiano The Show (Frasi sessiste agli uomini) – hanno una forza particolare: prendono un comportamento che spesso viene percepito come “normale” e modificano una sola variabile, rendendo visibile ciò che normalmente passa inosservato.

Nel mondo dei giochi da tavolo potremmo fare qualcosa di simile.

Non necessariamente con un esperimento scientifico formale, ma anche semplicemente osservando i nostri tavoli.

“Chi spiega le regole?“

“Chi prende le decisioni?“

“Chi viene interrotto?“

“A chi chiediamo conferma?“

“Chi viene considerato esperto?“

“Chi viene accusato di essere ‘troppo competitivo’?“

“Chi riceve consigli non richiesti?“

“Chi viene automaticamente considerato il giocatore meno esperto?“

“Chi fa parte della giuria?“

“Chi fa parte del direttivo?“

Sono domande semplici, ma possono diventare uno specchio.

E forse è proprio qui che il concetto di “esperimento sociale” torna al punto di partenza.

Il gioco come laboratorio

Un buon gioco da tavolo ci permette di fare qualcosa di straordinario: entrare temporaneamente in un sistema di regole diverso da quello quotidiano.

The Mind modifica la comunicazione.

Don’t Get Got! modifica la fiducia.

The Resistance modifica l’attribuzione delle intenzioni.

Just One modifica il rapporto fra pensiero individuale e pensiero collettivo.

Two Rooms and a Boom modifica le relazioni di gruppo.

Ma il tavolo porta con sé anche tutte le regole non scritte della società.

Le nostre aspettative.

I nostri pregiudizi.

Le nostre abitudini.

Le gerarchie.

Le idee, spesso inconsapevoli, su chi sia competente e chi non lo sia.

Per questo prendere sul serio il sessismo nel mondo dei giochi da tavolo non significa accusare il gioco da tavolo di essere sessista.

Significa, al contrario, prendere abbastanza sul serio questo hobby da riconoscere che anche il modo in cui giochiamo fa parte della cultura.

E se il gioco può insegnarci a leggere meglio gli altri, forse può insegnarci anche a leggere meglio noi stessi.

Alla fine, forse il vero esperimento sociale non è dentro la scatola.

È attorno al tavolo e riguarda noi stessi.

Fonti:

P.S.:

Ecco un esempio di esperimento sociale effettuato in ambito ludico da Jones, il presidente de La Tana dei Goblin (la community di giochi analogici più grande d’Italia), nei confronti del premio Goblin Magnifico, durante la Play Bologna del 2026:

“Chi ci legge da anni sa cosa scrivo sempre sul Magnifico: è la prima area Goblin che si riempie, ha i giochi più impegnativi da spiegare ma anche i più richiesti, eccetera.
Quindi quest’anno, dato che volevo davvero poter scrivere qualcosa di diverso, ho ben pensato di attuare un piano malvagio esperimento sociale e mettere l’area in fondo al padiglione, praticamente tra i bagni e la terrazza (posizione papabile per il prossimo anno) e con un totem angolare quasi a nasconderli.
Risultato? Non è cambiato nulla! Sono ancora stati i primi a riempirsi e più richiesti: pazzesco, vero?”

E se l’anno prossimo il direttivo proponesse una giuria del Magnifico composta da donne con una direttrice artistica a dirigere il tutto (attualmente la giuria è composta da 18 uomini su 19 membri totali)? Francesca, Elena, Ramona, Teresa, Micaela, Marzia, Pinka, Delia, Tania, Vania, Maresa, Valentina, Sara, Monica, Alessia, Martina, Chiara, ecc. Quale sarebbe il risultato? Cambierebbe qualcosa? Cosa cambierebbe?

Nella storia dell’arte contemporanea le donne hanno affrontato con coraggio la questione di genere (dalle Guerrilla Girls a Barbara Kruger, da Nicola L. a Pipilotti Rist, da Kara Walker a Carla Accardi, e molte altre ancora). Analizzando la storia contemporanea dei giochi da tavolo, c’è chi giustamente sta prendendo posizione, che sia negli Stati Uniti, in Canada, nel Regno Unito, in Portogallo o in Spagna. In Italia c’è chi parla di una “rivoluzione silenziosa” in ambito universitario che potrebbe portare maggiore consapevolezza anche sulle dinamiche di genere nei giochi da tavolo.

Oltre il regolamento: cosa si nasconde davvero nella scatola?

Immaginate di sedervi al tavolo, pronti per una serata ludica. Aprite la scatola, disponete i componenti, leggete le regole. Sembra un gesto neutro, un semplice svago. Ma se vi dicessi che quel tabellone è in realtà uno specchio che riflette, spesso in modo distorto, la nostra società? Un recente e illuminante studio accademico proveniente dalla Spagna, intitolato “A Feminist Analysis of Modern Board Games“, condotto dai ricercatori Noemí Blanch de la Cueva (Università di Vic) e Joan Arnedo-Moreno (Università Aperta della Catalogna), ci invita a guardare oltre i meeple per scoprire le dinamiche di genere nascoste nei nostri giochi preferiti.

Il gioco non è mai “solo un gioco”

Secondo gli autori, i giochi da tavolo sono veri e propri “artefatti culturali” che modellano l’immaginario sociale. Non sono neutri: sono “tecnologie di genere”, ovvero strumenti attraverso i quali viene costruito il concetto di maschile e femminile nella nostra quotidianità. Come sottolineano Blanch e Arnedo-Moreno:

“I risultati preliminari mostrano che, nonostante alcuni recenti progressi, il processo di produzione [dei giochi da tavolo] è ancora lontano dall’essere uno spazio veramente inclusivo ed egualitario”.

Chi tiene le redini del design?

I numeri emersi dall’analisi di 68 giochi di fama internazionale pubblicati in Spagna sono piuttosto impietosi. La creazione è un settore a travolgente maggioranza maschile: su 91 designer analizzati, solo 5 sono donne (appena il 5,5%). Anche nelle illustrazioni, sebbene la quota femminile salga al 20%, restiamo lontani dalla parità.

Perché accade questo? Il paper parla di “fili invisibili” e barriere strutturali. Spesso le donne hanno meno tempo libero di qualità (il cosiddetto “tempo contaminato” da responsabilità domestiche) per dedicarsi a sessioni di gioco lunghe o allo sviluppo di prototipi.

Cosa vediamo sulla scatola (e cosa no)

La rappresentazione visiva segue lo stesso spartito. Nelle illustrazioni delle scatole – il primo contatto visivo che abbiamo in un negozio – le figure maschili sono più del doppio di quelle femminili. E quando le donne appaiono, sono spesso soggette a stereotipi o sessualizzazione (quasi nel 40% dei casi sulle copertine), mentre per gli uomini questa percentuale scende drasticamente.

Tuttavia, non tutto è cupo. Il paper cita esempi virtuosi come Challengers!, lodato per la sua diversità corporea e per la capacità di rompere gli schemi (mostrando, ad esempio, un tritone o una supereroina non convenzionale). Anche il celebre Wingspan viene menzionato come una pietra miliare, essendo stato creato da un team interamente femminile, sebbene la sua traduzione spagnola sia scivolata nel “misgendering” definendo la sua autrice, Elizabeth Hargrave, come “il designer” al maschile.

Le regole del gioco (inclusivo)

Anche il linguaggio vuole la sua parte. Lo studio evidenzia come la quasi totalità dei regolamenti in lingua spagnola utilizzi il maschile generico, rendendo invisibili giocatrici e persone non binarie. È un invito per gli editori a considerare la traduzione non solo come un passaggio tecnico, ma come un atto politico e culturale.
In italiano abbiamo un problema analogo. Asterisco e schwa non rappresentano – a mio avviso – una soluzione realmente soddisfacente, non essendo del tutto inclusivi nei confronti dei dislessici, o meglio delle persone dislessiche – parliamo del 10% della popolazione; includere entrambi i generi grammaticali non è inclusivo nei confronti delle persone non binarie; il linguaggio inclusivo indiretto, tra le opzioni avanzate nel paper, mi sembra essere la soluzione più convincente, vale a dire adottare termini epiceni, che non cambiano forma tra maschile e femminile, o strutture che eliminano il segno di genere, come l’uso dell’imperativo o dell’infinito. Esempi in italiano: ‘la persona’ invece di ‘il giocatore/la giocatrice’, ‘chi gioca’ al posto di ‘i giocatori’, ‘chi vince’ invece di ‘il vincitore/la vincitrice’, ‘si inizia la partita’ al posto di ‘il giocatore inizia la partita’, ‘chiunque violi il regolamento’ invece di ‘il giocatore/la giocatrice che viola il regolamento’, ecc.
I punti deboli di questa strategia, va detto in tutta onestà, sono almeno due: in primo luogo “l’attribuzione di nomi epiceni maschili a donne si può considerare meno pacifica di quella dei nomi epiceni femminili a uomini” (Paolo D’Achille, Accademia della Crusca, 2023); in secondo luogo tale modo di procedere a volte diventa più macchinoso sintatticamente rispetto al maschile generico (frasi più lunghe, più subordinate con ‘chi’), e in testi molto densi come i regolamenti di giochi impegnativi questo può pesare sulla leggibilità. Ma resta comunque in apparenza la soluzione con il miglior compromesso tra inclusività, accessibilità e naturalezza della lingua. Io stesso fatico purtroppo ad adottare costantemente una simile strategia.

In conclusione, questo studio spagnolo non vuole toglierci il piacere di giocare, ma arricchirlo con una nuova consapevolezza. Per cambiare davvero le cose, dobbiamo spingere il dibattito fuori dalle università e portarlo direttamente ai nostri tavoli da gioco. Dopotutto, per citare la chiusura dell’articolo che riprende le parole di Shira Chess:

“Dobbiamo giocare con una prospettiva femminista e dobbiamo vivere il femminismo con un atteggiamento ludico”.

La prossima volta che aprite una scatola, provate a chiedervi: chi manca a questo tavolo? E soprattutto, come possiamo cambiare le regole perché tutti possano sentirsi protagonisti della partita?

Fonte:

Il paradosso dei tavoli senza autrici di narrativa fantastica

Perché il gioco da tavolo continua a scegliere Cthulhu e Sauron, ignorando chi ha immaginato mondi che non minacciano dall’esterno, ma interrogano dal di dentro?

C’è una domanda che chiunque ami sia i libri di narrativa fantastica sia i giochi da tavolo dovrebbe porsi, prima o poi, guardando lo scaffale della propria ludoteca: perché lì sopra c’è quasi sempre un tentacolo, o un anello, o una spada laser, e quasi mai un vero nome, o un seminatore di parabole, o una terra spezzata?

Non è una domanda retorica. È un paradosso concreto, misurabile, e vale la pena raccontarlo bene.

Il fondamento scomodo

Partiamo da un dato di fatto che il tempo non ha reso meno imbarazzante: H.P. Lovecraft, l’autore che più di ogni altro ha plasmato l’immaginario horror-fantascientifico del gioco da tavolo moderno – Arkham Horror, Eldritch Horror, Cthulhu Wars, Mansions of Madness, Cthulhu: Death May Die, Arkham Horror: LCG, solo per citarne alcuni dei più giocati – era un uomo le cui lettere personali e persino alcuni suoi racconti contengono un razzismo esplicito, non ambiguo, non semplicemente ‘frutto del suo tempo’, dato che molti suoi contemporanei, nello stesso ambiente culturale, scelsero consapevolmente di non scrivere in quei termini. Non è un dettaglio biografico marginale: è tessuto nel modo in cui costruisce l’Altro come orrore, lo straniero come minaccia ontologica, la purezza della stirpe come argine contro la contaminazione cosmica.

E poi c’è J.R.R. Tolkien, il cui Legendarium – dietro cui si allineano La Guerra dell’Anello, Il Signore degli Anelli: LCG, Viaggi nella Terra di Mezzo, La Guerra dell’Anello: Il Gioco di Carte, Duel for Middle-earth, Il Destino della Compagnia, La Compagnia dell’Anello: Trick Taking Game – è un capolavoro di worldbuilding con esattamente una manciata di personaggi femminili memorabili in migliaia di pagine, quasi tutti relegati a ruoli di supporto, lutto o attesa. Eowyn è l’eccezione che conferma la regola (ce ne sono anche altre di eccezioni), e infatti è quasi sempre l’unica figura femminile che i giochi tratti da Tolkien si preoccupano di rendere giocabile.

Questi due autori, da soli, generano probabilmente più della metà dell’intero mercato ludico a tema fantastico e fantascientifico. Non è un’esagerazione retorica: negli ultimi quarant’anni sono stati pubblicati oltre 200 giochi da tavolo ispirati all’universo di Lovecraft, decine dei quali contano più di mille valutazioni sulle principali piattaforme di settore, e a questi si aggiunge una produzione tolkieniana altrettanto ininterrotta e massiccia, che dalle prime licenze SPI di fine anni ’70 arriva fino alle uscite più recenti senza mai fermarsi.

L’immaginario che non abbiamo scelto di giocare

Il punto, però, non è “cancellare” Lovecraft o Tolkien – i loro contributi formali al genere restano innegabili, e la loro influenza tecnica sul game design è reale e utile da studiare. Il punto è chiedersi: cosa abbiamo scelto di non portare al tavolo?

Perché mentre l’industria ludica ripeteva per decenni la stessa manciata di mitologie, la letteratura di fantascienza e fantasy produceva – parallelamente, spesso proprio in risposta esplicita a quei modelli – un intero corpus di opere che affrontava di petto le domande che Lovecraft e Tolkien semplicemente non si ponevano.

Ursula K. Le Guin, ne La mano sinistra delle tenebre, immaginava un pianeta i cui abitanti non hanno un genere fisso, smontando dall’interno l’idea che mascolinità e femminilità siano categorie naturali anziché costruzioni sociali. Ne I reietti dell’altro pianeta metteva a confronto un’anarchia imperfetta e un capitalismo spietato, senza mai concedere all’uno o all’altro il ruolo di utopia facile.

Octavia Butler, in Legami di sangue, trascinava una donna nera contemporanea nel Maryland schiavista per costringere il lettore a fare i conti – non in astratto, ma nel corpo di un personaggio – con l’eredità della schiavitù americana. In Xenogenesis, mostrava l’ibridazione biologica come un baratto ambiguo e mai del tutto risolto tra sopravvivenza e coercizione, rifiutando sia la facile paura della contaminazione sia la facile promessa di salvezza.

N.K. Jemisin, ne La quinta stagione, ha costruito un intero pianeta la cui instabilità geologica diventa metafora dell’oppressione sistemica, e lo ha fatto vincendo tre premi Hugo consecutivi, un record ineguagliato nella storia del premio.

Margaret Atwood ha immaginato in Il racconto dell’ancella cosa succede quando il controllo del corpo femminile diventa il fondamento esplicito di un intero ordine politico.

Nessuna di queste opere è meno “giocabile” di un tempio in rovina infestato da Cthulhu o di una guerra per un anello. Hanno fazioni, conflitti, dilemmi morali, mondi coerenti e regole interne solide – tutto ciò che un buon game designer cerca in un testo sorgente. Eppure, come abbiamo verificato di recente, nessuna delle opere di queste autrici ha un adattamento ludico ufficiale di rilievo, con qualche parziale eccezione.

Non è un caso, è sistemico

Sarebbe comodo pensare che si tratti di semplice inerzia commerciale – “si continua a fare Cthulhu perché Cthulhu vende” – ma la storia del fandom fantascientifico e fantasy suggerisce qualcosa di più strutturale. Per decenni, autrici come Alice Sheldon hanno deciso di pubblicare sotto pseudonimo maschile (James Tiptree Jr.) per eludere il pregiudizio di genere in un ambiente editoriale e di fandom che dava per scontato un lettore-tipo maschile. Quando negli anni 2010 gli Hugo Award hanno iniziato a premiare più spesso autrici e temi sociali, la reazione organizzata dei cosiddetti “Sad Puppies” e “Rabid Puppies” – arrivata a coinvolgere figure che avevano espresso pubblicamente posizioni razziste e misogine – ha dimostrato quanto quella resistenza fosse tutt’altro che sopita.

Il mondo del gioco da tavolo, che attinge pesantemente dallo stesso bacino immaginario, sembra aver ereditato la stessa inerzia senza nemmeno passare per lo stesso dibattito pubblico. Non c’è stato un vero “Sad Puppies” del board gaming – semplicemente, certi mondi non sono mai arrivati al tavolo per essere discussi.

Cosa perdiamo, giocando sempre gli stessi mondi

Un gioco da tavolo non è un romanzo: quando qualcuno si siede al tavolo, non sta solo consumando una storia, la sta abitando. Sceglie una fazione, incarna un ruolo, prende decisioni dentro le regole morali di quel mondo. È un atto di immaginazione partecipata, forse il più potente che il medium ludico possa offrire.

Questo significa che ogni volta che un’industria sceglie quale immaginario mettere al centro del tavolo, sta anche scegliendo quali domande far vivere alle persone che giocano. Un tavolo dove le uniche opzioni sono “difendi la purezza umana dall’orrore cosmico” o “restaura l’ordine gerarchico minacciato dal male assoluto” è un tavolo che, semplicemente, non offre mai l’esperienza di abitare un’anarchia imperfetta, un pianeta senza genere fisso, o un mondo dove il potere geologico è anche metafora di oppressione sistemica.

Non si tratta di sostituire un canone con un altro per decreto. Si tratta di allargare lo scaffale – di dare a chi progetta giochi, e a chi li gioca, la possibilità di scegliere tra più immaginari possibili, invece di ereditarne uno solo perché è quello che, per primo, ha trovato la strada verso la scatola di cartone.

La buona notizia

Qualcosa si muove, lentamente. Il gioco di ruolo ufficiale ispirato a The Fifth Season di Jemisin, uscito di recente con il coinvolgimento diretto dell’autrice (e con Tanya DePass tra gli sviluppatori, nota designer e attivista per la diversità nel settore dei giochi #INeedDiverseGames), è un segnale piccolo ma reale che le case editrici del settore possono guardare oltre i soliti nomi. Resta però un’eccezione isolata in un panorama ancora largamente dominato dalle stesse poche mitologie.

Forse la vera domanda da porsi, la prossima volta che si sceglie un gioco da comprare o regalare, non è solo “questo mondo mi diverte?” ma anche: quali mondi non sto ancora scegliendo, e perché?

Se questo articolo ti ha incuriosito, da buon volontario bibliotecario quale sono, il posto giusto per iniziare non è un negozio di giochi, ma una biblioteca: partire dai romanzi di Le Guin, Butler, Jemisin e Atwood è probabilmente il modo più diretto per capire cosa il tavolo da gioco si sta ancora perdendo.

Dalle tenebre dei wargame alla luce dell’inclusione: l’incredibile evoluzione di Dungeons & Dragons

Il gioco di ruolo per antonomasia dimostra che si può (e si deve) cambiare

“Molto tempo fa, quando avevo dodici anni ed ero una ragazzina timida [presumibilmente verso la fine degli anni ’80, inizio anni ’90, n.d.r.], trovai il coraggio di chiedere a un ragazzo se potevo unirmi al suo gruppo di Dungeons & Dragons. Le sedute erano troppo violente. Troppo impegnative. C’erano combattimenti. C’erano draghi. Il dungeon master, che qui rimarrà anonimo, mi fece sapere tramite un intermediario: ‘No. Le ragazze non giocano.’
Per anni imparai a non chiedere più di poter entrare in un gruppo di gioco. Oggi, mentre svolgo una ricerca sulla rappresentazione di genere nei giochi da tavolo, scopro che, in certi ambienti, la risposta non è cambiata: ‘Le ragazze non giocano.'”
(Tanya Pobuda, Girls Do(n’t) Play Games?: Re-visiting H.G. Wells Little Wars 106 Years Later, Medium, 2021)

Se oggi il tavolo da gioco è uno spazio sempre più vibrante e diversificato, non dobbiamo dimenticare che Dungeons & Dragons (D&D) è nato in un mondo quasi esclusivamente maschile. Le sue radici affondano nei wargame, un hobby che negli anni ’70 contava una partecipazione femminile stimata appena intorno allo 0,5% (non che la situazione al giorno d’oggi sia tanto diversa tra i wargamer). Questa genesi ha lasciato segni profondi nel DNA del gioco, ma la sua trasformazione è un esempio straordinario di come una struttura collaborativa possa abbattere anche le barriere più rigide.

Un inizio per “soli uomini”

Nel 1974, il primo manuale si intitolava emblematicamente Men & Magic. Il linguaggio non lasciava spazio a dubbi: si usavano esclusivamente pronomi maschili e le classi erano definite come “Fighting-Men” (uomini d’arme). Gary Gygax, il co-creatore, rifletteva apertamente l’ostilità di quel mondo verso le donne. Quando gli fu chiesto della mancanza di ruoli femminili, rispose provocatoriamente che avrebbe ascoltato le richieste delle “liberazioniste” solo quando “un membro del sesso opposto avesse comprato una copia di Dungeons & Dragons“.

Ancora più brutale fu una lettera che scrisse sulla rivista Europa, in risposta a un articolo pubblicato nel 1975 da Jack Greene. Quest’ultimo aveva condotto un’indagine sul genere, sulla classe sociale e sul background etnico-razziale di chi, all’epoca, giocava ai wargame (va ricordato che il sottotitolo di D&D nel 1974 recitava: Regole per campagne di wargame medievali fantastici giocabili con carta e matita e miniature). Fu proprio rispondendo a quell’articolo che Gygax formulò la sua dichiarazione, ancora più brutale del solito.

“Sono stato accusato di essere un vecchio, disgustoso maiale sessista e maschilista, perché il linguaggio di D&D non sarebbe quello che dovrebbe essere. Ci dovrebbe essere più enfasi sul ruolo femminile, più nomi neutri rispetto al genere, e così via. Ho pensato che forse questa gente avesse ragione, e ho considerato di aggiungere le donne nella sezione ‘Stupri e Saccheggi’, nel capitolo ‘Prostitute e Serve da Taverna’, nella parte magica speciale dedicata a ‘Streghe e Vecchie Megere’, e ho pensato magari di aggiungere un’appendice su ‘Harem Medievali, Schiave e Scorrerie Vichinghe’. Diavolo, sì, sono sessista. Non m’importa se le donne vengono pagate quanto gli uomini, ottengono lavori tradizionalmente maschili, e fanno la doccia negli spogliatoi degli uomini. Possono tranquillamente starsene alla larga dai wargame in massa, per quel che mi riguarda. Ho visto molti buoni wargame e wargamer rovinati per colpa del gentil sesso. Sono pronto a entrare nei dettagli, se qualcuno lo desidera.”
(Fonte: Jon Peterson, “Playing at the World: Vol. 1 The Invention of Dungeons & Dragons“, 2E, The MIT Press, 2024, Cap. 23, Nota 19)

Non un’opinione isolata: la conferma sul campo

Le parole di Gygax non erano solo una provocazione editoriale: pochi anni dopo, uno studio sociologico indipendente mostrò quanto le dinamiche di genere fossero effettivamente presenti nella vita quotidiana dei gruppi di gioco. Il sociologo Gary Alan Fine, che tra la fine degli anni ’70 e i primi anni ’80 condusse una ricerca sul campo entrando direttamente nelle comunità di gioco che studiava, pubblicò nel 1983 Shared Fantasy: Role Playing Games as Social Worlds, un’opera diventata fondamentale per lo studio sociologico dei giochi di ruolo.

Nel descrivere la presenza femminile nei primi gruppi di gioco, Fine osservò innanzitutto che il reclutamento avveniva in larga misura attraverso i gruppi di wargame, un ambiente quasi esclusivamente maschile. Le donne, quindi, avevano meno probabilità di entrare in contatto con il gioco attraverso i tradizionali canali di diffusione dell’hobby. A questo si aggiungeva il fatto che molti degli interessi considerati centrali nella sottocultura dei giochi di ruolo – dal wargaming alla storia militare – erano, nella società dell’epoca, prevalentemente associati agli uomini. Come spiega un giocatore intervistato da Fine:

“Siamo un po’ strani, sai, è quasi tutto maschile, e sai, si parla di guerra e cose del genere, sai, discutiamo di… perché gli archi lunghi riescono a penetrare l’armatura o cose simili… non ci sono molte donne interessate a quello.”
(Fine, 1983, p. 65)

Fine osserva inoltre che questa impostazione si rifletteva anche nella costruzione dei personaggi e nell’immaginario dei giochi fantasy. Le ambientazioni medievali tendevano infatti a essere concepite principalmente dal punto di vista maschile, mentre i personaggi femminili occupavano una posizione marginale. In alcuni gruppi, questa marginalità arrivava a tradursi in una concezione esplicitamente subordinata delle donne, come emerge dalle osservazioni raccolte da Fine:

“I giocatori uomini commentano che i personaggi femminili dovrebbero essere trattati come ‘proprietà’ e non come esseri umani.”
(Fine, 1983, p. 65)

Il problema, tuttavia, non riguardava soltanto chi entrava nel gioco, ma anche ciò che poteva accadere una volta entrati. Fine riporta diversi episodi nei quali le giocatrici raccontano di aver incontrato difficoltà nell’essere accettate pienamente dai gruppi maschili. Una giocatrice, JoEllen, descrive con particolare diplomazia la propria esperienza:

“Troppi uomini si sentono a disagio a meno che le donne non siano molto brave [nei wargame]. Il gruppo con cui gioco a casa è stato molto paziente con me.”
(Russell 1978:8, citato in Fine, 1983, p. 68)

Fine riporta anche il caso raccontato da Gary Gygax di una designer ai tempi assunta dalla TSR Hobbies. Secondo il racconto, inizialmente gli altri giocatori non volevano che partecipasse e, quando le permisero di giocare, le imposero di interpretare per prima cosa un personaggio maschile. Solo dopo un certo periodo le fu consentito di scegliere liberamente il proprio personaggio.

Anche quando l’atteggiamento del gruppo non era apertamente ostile, il modo in cui una giocatrice veniva trattata poteva comunque sottolineare la sua condizione di eccezione. Fine riporta, a questo proposito, un’intervista nella quale un giocatore riconosce che le donne venivano accolte, ma contemporaneamente trattate in maniera diversa dagli uomini:

“Sì, sono accettate. Sono accettate e, in un certo senso, vengono trattate in modo speciale. Voglio dire, le persone fanno qualche battuta su di loro, oppure parlano con loro in modo scherzoso, e questo è chiaramente un riflesso dei valori della nostra società. Sai, fanno commenti sessuali alla ragazza e la prendono in giro riguardo al sesso e cose del genere: è considerato normale, niente di particolare.”
(Fine, 1983, p. 68)

Il quadro delineato da Fine è quindi più complesso di una semplice opposizione tra uomini ostili e donne escluse. Le barriere all’ingresso potevano essere tanto strutturali quanto sociali, e potevano persistere anche quando una donna riusciva a entrare in un gruppo di gioco. Alcune giocatrici potevano vivere questo particolare tipo di cameratismo senza disagio e persino ricambiare le battute; per altre, invece, lo stesso comportamento rendeva evidente la propria posizione marginale e sollevava questioni più ampie riguardo ai rapporti tra genere, potere e immaginario del gioco, “soprattutto perché il gioco simula[va] una società maschile e oppressiva” (Fine, 1983, p. 68).

Il corpo femminile come “Mostro”

L’esclusione non era solo linguistica, strutturale e/o sociale, ma diventava persino “scientifica” nel Monster Manual (1977). Questo volume funzionava come un bestiario ludico che classificava il corpo femminile come intrinsecamente malvagio e “abbietto” attraverso figure come arpie, meduse e la Night Hag (Megera Notturna).

Secondo gli studiosi Stang e Trammell, queste creature venivano dipinte come parodie grottesche della femminilità, mescolando l’erotico con il materno per creare orrore. La Megera, ad esempio, era descritta come una “vecchia avvizzita” che si riproduceva divorando neonati, un tropo che rifletteva paure patriarcali sulla riproduzione non regolata.

La forza del cambiamento: collaborazione e personalizzazione

Nonostante queste premesse tossiche, D&D ha “accidentalmente” aperto le porte alle donne. Il motivo risiede nella sua stessa natura: a differenza dei wargame tradizionali, freddi e competitivi, D&D era un gioco collaborativo performativo e profondamente personale.

In D&D non si comanda un esercito anonimo, ma si interpreta un singolo individuo di cui il giocatore guida la storia. Questa dimensione “non a somma zero”, dove il gruppo lavora insieme invece di cercare di “dimostrare sé stesso” attraverso la sconfitta dell’altro, ha creato un ambiente in cui uomini e donne potevano finalmente sedersi allo stesso tavolo senza tensioni competitive aggressive.

La visione di Antero Garcia: un sistema che si rigenera

Il ricercatore Antero Garcia sottolinea che, sebbene le radici di D&D siano intrise di pregiudizi, i sistemi ludici non sono statici. Garcia evidenzia come la Quinta Edizione e titoli derivati come Pathfinder abbiano compiuto passi da gigante:

  • La rappresentazione visiva delle donne è passata da figure in pericolo o sessualizzate a eroine potenti e diversificate.
  • Le limitazioni meccaniche (come i vecchi tetti massimi alla Forza per le donne) sono state cancellate.
  • Il ruolo del Dungeon Master si è evoluto da “arbitro punitivo” a forza creativa facilitatrice.

Secondo Garcia, l’agenzia dei singoli giocatori può funzionare come una “sovversione positiva” degli stereotipi costruiti nei sistemi di gioco. D&D oggi non è più il “club per soli ragazzi” di Gygax, ma uno spazio dove le comunità possono ridefinire chi è l’eroe e/o l’eroina, dimostrando che anche il sistema più rigido può essere riscritto dalla forza dell’immaginazione collettiva.

Fonti: